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domingo, 25 de diciembre de 2011

Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor (La novena sinfonía):

La Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y popular en toda la música clásica, y también de toda la música y del arte. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE).1 También destaca por ser la única composición musical de la historia declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco.


TEXTO EN ALEMÁN (ORIGINAL):


Bariton Solo

O Freunde, nicht diese Töne!
Sondern laßt uns angenehmere anstimmen,
und freudenvollere.
Freude! Freude!

Quartett mit Chor

Freude, schöner Götterfunken,
Tochter aus Elysium,
Wir betreten feuertrunken,
Himmlische, dein Heiligtum.
Deine Zauber binden wieder,
Was die Mode streng geteilt;
Alle Menschen werden Brüder,
Wo dein sanfter Flügel weilt.

Wem der große Wurf gelungen,
Eines Freundes Freund zu sein,
Wer ein holdes Weib errungen,
Mische seinen Jubel ein!
Ja, wer auch nur eine Seele
Sein nennt auf dem Erdenrund!
Und wer´s nie gekonnt, der stehle
Weinend sich aus diesem Bund!

Freude trinken alle Wesen
An den Brüsten der Natur,
Alle Guten, alle Bösen
Folgen ihrer Rosenspur.
Küsse gab sie uns und Reben,
Einen Freund, geprüft im Tod.
Wollust ward dem Wurm gegeben,
Und der Cherub steht vor Gott.

Tenor Solo & Chor

Froh, wie seine Sonnen fliegen
Durch des Himmels prächtgen Plan,
Laufet, Brüder, eure Bahn,
Freudig wie ein Held zum Siegen.

Chor

Seid umschlungen, Millionen!
Diesen Kuss der ganzen Welt!
Brüder - überm Sternenzelt
Muss ein lieber Vater wohnen.

Ihr stürzt nieder, Millionen?
Ahnest du den Schöpfer, Welt?
Such ihn überm Sternenzelt,
Über Sternen muss er wohnen.

Chor

Freude, schöner Götterfunken,
Tochter aus Elysium,
Wir betreten feuertrunken,
Himmlische, dein Heiligtum.
Deine Zauber binden wieder,
Was die Mode streng geteilt;
Alle Menschen werden Brüder,
Wo dein sanfter Flügel weilt.

Freude, schöner Götterfunken,
Tochter aus Elysium,
Freude, schöner Götterfunken!.


TEXTO EN ESPAÑOL:
Solo de el baritono

¡Oh amigos, cesad esos ásperos cantos!
Entonemos otros más agradables y
llenos de alegría.
¡Alegría, alegría!

Solo de Cuarteto de voces y Coro

¡Alegría, bella chispa divina,
hija del Elíseo!
¡Penetramos ardientes de embriaguez,
¡Oh celeste, en tu santuario!
Tus encantos atan los lazos
que la rígida moda rompiera;
y todos los hombres serán hermanos
bajo tus alas bienhechoras.

Quien logró el golpe de suerte,
de ser el amigo de un amigo.
Quien ha conquistado una noble mujer
¡Que una su júbilo al nuestro!
¡Sí! que venga aquel que en la Tierra
pueda llamar suya siquiera un alma.
Pero quien jamás lo ha podido,
¡que se aparte llorando de nuestro grupo!

Se derrama la alegría para los seres
por todos los senos de la Naturaleza.
todos los buenos, todos los malos,
siguen su camino de rosas.
Ella nos dio los besos y la vid,
y un amigo probado hasta la muerte;
Al gusanillo fue dada la Voluptuosidad
y el querubín está ante Dios.

Solo de Tenor y Coro Masculino

Alegres como vuelan sus soles,
A través de la espléndida bóveda celeste,
Corred, hermanos, seguid vuestra ruta
Alegres, como el héroe hacia la victoria.

Coro

¡Abrazaos Millones de seres!
¡Este beso al mundo entero!
Hermanos, sobre la bóveda estrellada
Debe habitar un Padre amante.

¿Os prosternáis, Millones de seres?
¿Mundo presientes al Creador?
Búscalo por encima de las estrellas!
¡Allí debe estar su morada!

Coro

¡Alegría, bella chispa divina,
hija del Elíseo!
¡Penetramos ardientes de embriaguez,
¡Oh celeste, en tu santuario!
Tus encantos atan los lazos
que la rígida moda rompiera;
y todos los hombres serán hermanos
bajo tus alas bienhechoras.

¡Alegría, bella chispa divina,
hija del Elíseo!
¡Alegría, bella chispa divina!


(FUENTE: WIKIPEDIA - http://es.wikipedia.org/wiki/Sinfon%C3%ADa_n.%C2%BA_9_(Beethoven)).

viernes, 18 de febrero de 2011

"Carmen", de George Bizet:

Aquí os dejo toda la Ópera "Carmen" de George Bizet. Al final de todos estos vídeos tenéis información acerca de la obra completa.










































Carmen es una opéra-comique en cuatro actos de Georges Bizet compuesta en 1875, con un libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac (basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée). La obra se estrenó el 3 de marzo de 1875 en el Opéra-Comique de París, fue un fracaso rotundo que en parte pudo acelerar la muerte de Bizet. Hoy es la ópera francesa más famosa e interpretada en el mundo entero, y junto a La Bohème, Madama Butterfly y La Traviata una de las óperas mas llevadas a escena.

En España vio su estreno en el Teatre Líric de Barcelona el 2 de agosto de 1881.

La acción se desarrolla en Sevilla, a principios del siglo XIX.

Acto I:

Los soldados observan de forma curiosa a la gente que va pasando por la plaza mientras que esperan el próximo cambio de guardia. Llega Micaela buscando a Don José a lo que Morales y el resto de soldados le indican que no está en la compañía pero que llegará en el siguiente turno para, después, pedirle que espere junto a ellos a lo que ella responde que volverá cuando se produzca el cambio ("Je reviendrai quand la garde montante va remplacer la garde descendant"). Se produce el cambio de guardia mientras que, en escena, se observa a todos los niños imitando el cambio con gran interés. Cuando la nueva guardia está incorporada, Morales, antes de partir, le dice a Don José que una joven preguntaba por él y tras describirla, Don José sabe que es Micaela, la joven huérfana que su madre acogió.

Tras la salida de las cigarreras, al lado del cuartel del regimiento, se produce el "fatal " encuentro entre Don José y Carmen, una joven gitana que tenía a todos detrás de ella. La habanera "L'amour est un oiseau rebelle" es un canto de amor rebelde y que queda resumido, casi leit-motiv de toda la ópera, en ese célebre "Si tu ne m'aimes pas, je t'aime; si je t'aime, prends garde a toi" (si no me quieres, te quiero; si te quiero, ten cuidado de ti mismo). Don José "pasa" del revuelo causado por la joven; ésta se acerca a su mesa y le lanza una flor a él, sólo es el inicio del embrujo que lo llevará "por el camino de la desventura".

Una vez entradas todas las mujeres en la fábrica tras finalizar el descanso, Don José se queda solo hasta que llega Micaela e inician un dúo lleno de cariño que llega a la culminación con ese "Ma mère, je la vois" ... "o souvenirs d'autrefoi" ("Mi madre, yo la veo... O recuerdos de otros tiempos"). De Carmen se suelen citar varios fragmentos que han alcanzado gran popularidad pero éste dúo es bastante bonito para aquél que se inicie en este mundo de la ópera. Cuando Micaela sale de la plaza y se queda Don José solo, se produce un gran alboroto en la fábrica de tabaco y salen todas las cigarreras de la fábrica; un grupo echa la culpa a Manuelita y el otro ,¡como no!, a Carmen.

Una vez resuelto el alboroto, el teniente Zúñiga pregunta a Don José sobre los hechos que han ocurrido a lo que éste indica que se produjo una pelea y una chica apareció con una x señalizada en la cara, a la vez, que culpa a Carmen a lo que esta se defiende de forma burlona (Tra la la la....). Zúñiga decide que la joven gitana va a ir al calabozo y le pide a Don José que la lleve al calabozo. Mientras que espera a recibir la orden deja solo al brigadier junto a Carmen. La gitana trata de seducirlo ("Près de remparts de Seville"..."Cerca de las murallas de Sevilla") y él, en principio se niega...para después aceptar. Es el comienzo del fin de Don José: deja escapar a la joven gitana y acaba siendo encarcelado y degradado.

Acto II:

En la taberna de Lilas Pastia.

Carmen se reúne con unos contrabandistas que están planeando un nuevo golpe, pero ella se niega a participar porque está esperando a su nuevo amor, Don José. Poco después, llega el torero Escamillo, quien va camino de Granada y pasa por la taberna, es aquí cuando Escamillo inicia la marcha del torero a cual se unen todos los que están en la taberna. Se toma una copa y queda prendado por Carmen. Después, sigue su camino hacia Granada vitoreado por todos los presentes, mientras en la taberna solo quedan los contrabandistas, Carmen y el dueño del local.

Don José llega momentos más tarde y Carmen intenta convencerlo de que se una a los contrabandistas. Don José se niega inicialmente. Repentinamente, llega el oficial de la guardia y se produce una pelea entre ellos, lo que fuerza a Don José a abandonarlo todo y unirse a Carmen (la joven gitana) y a los contrabandistas.

Acto III:

En un paraje salvaje en las montañas, la guarida de los contrabandistas.

Carmen empieza cansarse de los celos de Don José. Cuando se echa las cartas con Frasquita y Mercedes, prevé su próxima muerte. Micaela acude a buscar a Don José para que asista a su madre moribunda. Escamillo, interesado en Carmen, va también a la sierra para invitar a los contrabandistas a su próxima corrida.

Acto IV:

En una plaza de toros.

Aclamado por la muchedumbre, Escamillo, en compañía de Carmen, entra a la plaza.
Empieza la corrida. Don José busca a Carmen y le pide que se vaya con él y que olvide a su nuevo amante. Carmen se ríe de él y Don José, cegado por la ira, la apuñala hiriéndola mortalmente. En ese momento, sale Escamillo triunfante, mientras el público entusiasta lo vitorea.

Un éxito que Bizet no disfrutó:

Carmen se estrenó en la Opéra-Comique de París, un coliseo de nivel mediano. Según parece, sus primeros fragmentos fueron recibidos con entusiasmo, en especial por sus melodías pegadizas y por el tema folclórico-romántico ambientado en Sevilla, ciudad que resultaba exótica y atrayente para el público francés. Sin embargo, a medida que avanzaba la representación, la actitud atrevida de Carmen y el tono negro del argumento provocaron el rechazo del público. Carmen no respondía al prototipo de relato romántico y edulcorado, visualmente vistoso y fácil de digerir. El balance final del estreno se puede calificar de fracaso, y con tal sensación murió Bizet.
Tras la muerte de Bizet, su amigo y compositor Ernest Guiraud reemplazó los pasajes hablados originales (característicos de la ópera-cómica) por recitativos. Esta revisión pudo contribuir al éxito de la obra facilitando su difusión, especialmente en algunos teatros extranjeros en los que no se acostumbraba a alternar diálogo y música en una obra lírica, y a la vez permitió que pudiera representarse en la Ópera de París. Sin embargo, esta adaptación ha sido cuestionada, a menudo, por los musicólogos más puristas. Hoy en día, se representan ambas versiones, aunque la original goza de una ligera preferencia.
Como sea, no cabe duda alguna de que esta ópera goza de una gran popularidad que en ningún momento ha quedado desmentida. Está considerada como la ópera francesa más representada en todo el mundo.
Su éxito puede deberse, en parte, a los diferentes cambios que jalonan el libreto: escenas trágicas que contrastan con otros pasajes más ligeros, a veces cómicos (personajes como Frasquita, Mercedes, Dancaire o el Remendado), equilibrados con escenas de algarabía con coros y figurantes, y otras más íntimas en las cuales las solistas pasan a primer plano, etc. Además, la música de Bizet, expresiva, elegante y colorista, su orquestación, sumamente refinada, sus melodías fáciles de memorizar (por ejemplo, no es necesario ser un amante de la música clásica o del bel canto, para acordarse del tema del preludio, la Habanera, o el tema del torero) no son ajenas al éxito alcanzado por esta ópera.
Entre las más bellas páginas de esta ópera cabe citar:
El preludio, una de las piezas orquestales más famosas de la historia de la Ópera.
En el primer acto: el coro de niños: "Avec la garde montante"; el coro de las cigarreras "Dans l’air, nous suivons des yeux"; la Habanera (que sirve de entrada al personaje de Carmen) "L’amour est un oiseau rebelle"; el dúo "Parle-moi de ma mère"; la seguidilla "Près des remparts de Séville".
En el segundo acto: la canción gitana "Les tringles des sistres tintaient"; las coplas del toreador "Toréador, en garde"; el quinteto "Nous avons en téte une affaire"; el aire "La fleur que tu m’avais jetée".
En el tercer acto: el sexteto con coros "Écoute, compagnon, écoute"; el trío de las cartas "Mélons, coupons"; el aire "C’est des contrebandiers, le refuge ordinaire".
En el cuarto acto Jazmin: el dúo con coro final "C’est toi, c’est moi".
Ni en la ópera ni en el relato de Merimée hay ninguna referencia a temas religiosos o relacionados de alguna manera con el catolicismo. Por esto, resulta curiosa y bastante forzada la versión de la Scala de Milán para la temporada 2009-2010, donde llamaba la atención la presencia de grandes cruces y numerosos sacerdotes en el escenario, presencia ajena a la esencia real de la obra.

(Fuente: Wikipedia; http://es.wikipedia.org/wiki/Carmen_(%C3%B3pera))

Lakmé, de Léo Delibes:

Lakmé es una ópera en tres actos de Léo Delibes basada en un libreto francés de Edmond Gondinet y Philippe Gille basada en la novela Rarahu ou Le Mariage (Rarahu o El matrimonio) de Pierre Loti. Primera representación: Teatro de la Opéra-Comique, París, 1883. En España se estrenó el 15 de septiembre de 1898, en el Teatro Novedades de Barcelona.

Sinopsis

A finales del siglo XIX, durante la colonización británica de la India, muchos de los habitantes locales fueron obligados a practicar su religión en secreto. Gerald, un oficial inglés, entra sin querer a un templo secreto hindú. Ahí encuentra a Lakmé, hija de Nilakantha, principal sacerdote del templo. Gerald y Lakmé se enamoran al instante. Nilakantha se entera del allanamiento al templo por parte de Gerald y busca vengarse de la referida profanación. En el bazar, Nilakantha hace que Lakmé cante con el fin de identificar al oficial Gerald. Una vez que lo reconoce, Nilakantha lo apuñala, dejándolo malherido.

Lakmé lo recoge y lo lleva a un escondite donde lo atiende durante su recuperación. Mientras Lakmé busca agua sagrada para confirmar su amor con Gerald, Frederic su amigo oficial inglés, encuentra a Gerald y le recuerda sus deberes como miembro del regimiento. Cuando Lakmé regresa, se da cuenta de que, debido a las palabras de Frederic, Gerald ha cambiado y su amor se ha perdido. Ella prefiere morir con honor que vivir en desamor, suicidándose comiendo una hoja de datura. Su padre regresa y al encontrarlos quiere matar a Gerald, pero Lakmé le cuenta que ambos han bebido del agua sagrada y ahora es uno de ellos. Muere serenamente,
De esta ópera se destaca el Aria de las campanas, caballito de batalla de famosas sopranos y el conocido Dueto de las Flores, del primer acto, mientras Lakmé y Mallika reúne flores en el templo, antes de conocer a Gerald:

Texto en francés:

Sous le dôme épais où le blanc jasmin/ À la rose s'assemble/ Sur la rive en fleurs riant au matin// Doucement glissons de son flot charmant/ Suivons le courant fuyant/ Dans l'onde frémissante/ D'une main nonchalante/ Viens, gagnons le bord,/ Où la source dort et/ L'oiseau, l'oiseau chante.//
Sous le dôme épais où le blanc jasmin,/ Ah! descendons/ Ensemble!//
Sous le dôme épais où le blanc jasmin/ À la rose s'assemble/ Sur la rive en fleurs riant au matin/ Viens, descendons ensemble// Doucement glissons de son flot charmant,/ Suivons le courant fuyant/ Dans l'onde frémissante/ D'une main nonchalante/ Viens, gagnons le bord/ Où la source dort et/ L'oiseau, l'oiseau chante.//
Sous le dôme épais où le blanc jasmin,/ Ah! descendons/ Ensemble!//

Traducción al castellano:

Bajo la bóveda frondosa, donde el blanco jazmín se entrelaza a la rosa./ En la ribera florecida que sonríe a la mañana./ Deslicémonos suavemente en sus cautivadoras aguas./ Sigamos la corriente huidiza/ En la onda que una mano indolente estremece,/ Ven, ganemos la orilla/ donde el manantial duerme/ y el pájaro, el pájaro canta.// Bajo la bóveda frondosa donde el blanco jazmín,/ ah, descendamos juntas!//
Bajo la bóveda frondosa, donde el blanco jazmín/ se une a la rosa/ En la rivera florecida que sonríe a la mañana/ Ven, descendamos juntas.//
Deslicémonos dulcemente por su encantador oleaje,/ sigamos la corriente huidiza/ en la ola trémula/ de una mano indolente./ Ven, lleguemos a la orilla/ donde el manantial duerme y/ donde el pájaro, el pájaro canta.// Bajo la bóveda frondosa, donde el blanco jazmín,/ ¡ah, descendamos/ juntas!//.

(Fuente: Wikipedia; http://es.wikipedia.org/wiki/Lakm%C3%A9).


Por ahora, os dejos el "Dúo de las flores":

jueves, 17 de febrero de 2011

Luigi Boccherini, Minueto:

Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, en la Toscana, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y chelista, y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más tarde encontro su vocación en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las primeras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannuci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violonchelista contando con tan sólo 13 años de edad.


(Fuente: Wikipedia; http://es.wikipedia.org/wiki/Luigi_Boccherini).

Minueto:

lunes, 14 de febrero de 2011

Sonata para piano n.º 11 en la mayor de Mozart:

La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331, es una sonata para piano compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. Aún no es sabido a ciencia cierta cuándo y dónde compuso Mozart la sonata -en Viena o Salzburgo alrededor de 1783, que actualmente se considera lo más probable, aunque París y fechas tan lejanas como 1778 también han sido sugeridas.

Se trata de la más célebre de las sonatas para piano de Mozart, particularmente por su final que ha tenido innumerables transcripciones y versiones, que constituye desde hace muchos años, uno de los "caballos de batalla" de los pianistas aficionados.
Según Saint-Fuix, esta sonata sería en realidad la décima de la colección mientras que la precedente en do mayor tomaría el puesto de undécima. Pero Alfred Einstein recuerda una carta datada el 9-12 de junio de 1784 dirigida por Mozart a su padre, en la que éste indica claramente las tres sonatas en do mayor, la mayor y la próxima en fa mayor.

Estructura:

Consta de tres movimientos:

Andante grazioso - un tema con seis variaciones.
Menuetto - un minuet y trío.
Rondo Alla Turca: Allegretto.

Primer movimiento:

Esta obra se inicia con un tema variado (como entonces se usaba frecuentemente en la escuela francesa); sus variaciones pertenecen al tipo más puro y flexible del estilo mozartiano.

Segundo movimiento:

El amplio Minueto que sigue y constituye el tiempo lento central, tiene un carácter ampliamente cantabile y proviene visiblemente de los modelos de Schobert.

Tercer movimiento:

El último movimiento, Alla Turca, popularmente conocido como la Marcha Turca, es frecuentemente escuchado por separado, y es uno de los más conocidos de todos los trabajos de Mozart. El mismo imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en la época. La vasta coda mayor, aquella en la que se parece ver entrar al Gran Sultán con ruido ensordecedor de tambores, fue añadida por Mozart en el momento de entregar la sonata a la editorial Artaria.
Varias piezas musicales del momento imitaron esa música, incluida la ópera del mismo Mozart Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo, KV 384).


(Fuente: Wikipedia; http://es.wikipedia.org/wiki/Sonata_para_piano_n.%C2%BA_11_(Mozart)).

sábado, 12 de febrero de 2011

LA TEMPESTAD, DE BEETHOVEN:

Aquí os dejo esta preciosidad, en especial el tercer movimiento. Me encanta.

LA TEMPESTAD, PRIMER MOVIMIENTO:



LA TEMPESTAD, SEGUNDO MOVIMIENTO:



LA TEMPESTAD, TERCER MOVIMIENTO:

jueves, 6 de enero de 2011

"Suite bergamasque", de Debussy:

La Suite bergamasque de Claude Debussy es una suite para piano en varios movimientos. Aunque fue escrita en 1890, la obra no se publicó hasta 1905, y eso pese a que su autor intentó que no viese la luz, pues creía que esta obra de juventud estaba muy por debajo del nivel de sus composiciones más modernas.
La Suite toma su nombre de las máscaras de la Commedia dell'Arte de Bérgamo (Comedia del arte de Bérgamo) y está inspirada en las Fêtes galantes (Fiestas galantes) de Verlaine. Está dividida en cuatro piezas: un Preludio, un Minueto, el Claro de luna (la pieza más popular de Debussy) y un dinámico y contrastante Pasapiés.
(Fuente: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Claro_de_luna_(Debussy)).

1.- Preludio:



2.- Minueto:



3.- Claro de luna:



4.- Passepied:

lunes, 3 de enero de 2011

"Las cuatro estaciones", de Vivaldi:


Hoy le toca el turno a mi querido Antonio Vivaldi, con su obra maestra "Las cuatro estaciones":

Las cuatro estaciones es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta (La primavera, El verano, El otoño y El invierno) del compositor italiano Antonio Vivaldi, incluido en Il cimento dell'armonia e dell'inventione, Op. 8. Se trata de una obra descriptiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.
Cada uno de estos cuatro conciertos sigue un programa distinto, según puede verse en los correspondientes "sonetos demostrativos".

Concerto n.º 1 en mi mayor, Op. 8, RV 269, "La primavera" (Primavera)

1.- Allegro
2.- Largo
3.- Allegro Pastorale

Concerto n.º 2 en sol menor, Op. 8, RV 315, "L'estate" (Verano)

4.- Allegro non molto
5.- Adagio e piano - Presto
6.- Presto e forte

Concerto n.º 3 en fa mayor, Op. 8, RV 293, "L'autunno" (Otoño)

7.- Allegro
8.- Adagio molto
9.- Allegro

Concerto n.º 4 en fa menor, Op. 8, RV 297, "L'inverno" (Invierno)

10.- Allegro non molto
11.- Largo
12.- Allegro

ESTILO DE LA OBRA:

Antonio Vivaldi vivió los años de transición del siglo XVII al siglo XVIII, es decir, el final del llamado periodo barroco de la música. En ese momento el legado histórico de la música europea era trascendental, pues había emergido de las primitivas formas del Medievo a la ejecución de varias melodías al mismo tiempo en la polifonía, estilo que diferenciaría a la música occidental de la del resto del mundo. Este género musical se desarrolló tanto en el ámbito religioso como en el profano.
En la música, el primer paso para encontrar elementos contrastantes consistió en separar la música en tres diferentes episodios, dotados cada uno de velocidad y ritmo diferentes; rápido-lento-rápido, secuencia característica de la sonata da camera, o de la sonata da chiesa, cuando el primer movimiento de ésta tenía un carácter lento o grave.
Otra forma de lograr el contraste fue la de tocar un tema en su primera aparición dentro de una dinámica fuerte y luego repetir el mismo ahora de forma suave como un eco. Este efecto también se lograría utilizando el recurso de la acumulación de instrumentos, separando dentro de la orquesta de cámara a un pequeño grupo instrumental (concertino) del resto de la orquesta (ripieno o tutti), interviniendo primero toda la orquesta y luego solamente el concertino, logrando así el efecto sonoro contrastante. En consecuencia, se originaba la forma musical conocida como concerto grosso, que a su vez originaría la forma conocida simplemente como concierto, en donde el solista demuestra sus habilidades técnicas, enfrentando con su instrumento a toda la masa orquestal.

En el concierto barroco son marcados los contrastes: en tempo (velocidad), la exposición temática en forma de eco y la lograda por la oposición de un instrumento en contra de toda una orquesta.

Este reciente estilo musical tendría que adherirse a uno de los conceptos de la estética aristotélica que dominaba en la época; la imitación de la naturaleza.
Antonio Vivaldi escribió cerca de 500 conciertos para diversos instrumentos, 220 de ellos dedicados al violín, instrumento del cual Antonio era un virtuoso.
Cuatro de estos conciertos, pertenecientes a Il cimento dell´armonia e dell´invenzione y reunidos en el Op. 8 (1725) escritos para violín solista, orquesta de cuerdas y clavecín, son los que se conocen con el nombre de Las cuatro estaciones.
En estos cuatro conciertos se encuentran ejemplificadas todas las características anteriormente descritas del concierto barroco. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto está dividido en tres partes: tempo rápido-lento-rápido; el elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el [[basso continuo]], enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.

Primavera (Concierto nº 1 en mi mayor, RV. 269)

La primavera es uno de los conciertos para violín que forman parte del II cimento dell´armonía e dell´invenzione (Ensayo de la armonía y la invención). Esta obra, publicada en 1726, está dividida en dos libros, cada uno de ellos con seis conciertos. Vivaldi introdujo en la partitura explicaciones escritas de aquello que describe mediante la música: "el canto de los pájaros, los truenos..."
Esta obra está compuesta para violín solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y lo que llamamos el bajo continuo (línea de bajo que se extiende a lo largo de toda la pieza), formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo. A pesar de que temporalmente se sitúa la obra en el barroco, la técnica y complejidad de la misma, así como la actitud de la música sitúan la obra en la corriente neoclásica. Consta de tres movimientos: 1.º: Allegro, 2º.: Largo, 3.º: Allegro. Uno de los recursos compositivos de Vivaldi es la repetición de un estribillo, llamado ritornello. A continuación se presentan los tres movimientos de "La primavera".

Primer movimiento: Allegro

Con un sonriente tema de tres compases, la orquesta anuncia la llegada de la primavera. Eco de este tema. Aparición del solista acompañado por un par de violines que imitan el canto de los pájaros. Luego, ondulantes figuras de dobles corcheas describen el agua brotando libremente de una fuente. Súbita aparición del solista sugiriendo una tormenta, nuevas exposiciones del tema con eco y fin del movimiento.



Segundo movimiento: Largo

Sobre el verde campo y a la sombra de un frondoso árbol un pastor de cabras duerme una placentera siesta y, cerca de él, su perro ladra. En este movimiento la formula rítmica está a cargo de los violines, el ladrido del perro es remedado por la viola con dos notas repetidas: do-do….sol-sol. Ausencia de voces graves.



Tercer movimiento: Allegro (Danza pastoril)

En el campo y bajo el cielo azul pastores y ninfas danzan gozosos por la llegada de la primavera. Musicalmente la escena se desarrolla sobre un compás de 12/8, con figuras rítmicas iguales para todas las cuerdas.



Verano (Concierto nº 2 en sol menor, RV. 315)

Primer movimiento: Allegro non molto

Una lenta introducción describe el intenso calor del verano, de nuevo oímos el canto de las aves en el súbito allegro, el cú-cú en figuras de dobles corcheas por el violín solista; después, la tórtola y el jilguero, cuyos cantos son arrebatados por un fuerte viento y el llanto del pastor por miedo a la tormenta. Con huracanados vientos descritos por dobles corcheas en toda la cuerda finaliza el movimiento.



Segundo movimiento: Adagio-Presto-Adagio

El temor del pastor aún no se disipa, el solo de violín es interrumpido por los truenos que anuncian la tormenta.




Tercer movimiento: Presto

Gran cantidad de insectos voladores revolotean huyendo de la tormenta, los rayos iluminan el cielo ambiente pleno de tempestad, descripción llena de virtuosismo por el solista.




Otoño (Concierto nº 3 en fa mayor, RV. 293)

Primer movimiento: Allegro

Los alegres campesinos celebran con danzas y cantos la recolección de la cosecha; musicalmente, la danza está escrita en un compás de 4/4, en donde las figuras rítmicas son iguales tanto para el solista como para toda la orquesta; el cambio rítmico del solista en arpegios de dobles corcheas describe a un borrachín que, después de varias travesuras, al fin se queda dormido.



Segundo movimiento: Adagio molto

Los demás campesinos no dejan solo a este borrachín y lo acompañan en su embriaguez hasta que el vino y el sueño los vence.




Tercer movimiento: Allegro

Llenos de gran entusiasmo y acompañados por los ladridos de sus perros y el sonar de sus cornos, los cazadores se dirigen al bosque.




Invierno (Concierto nº 4 en fa menor, RV. 297)

Primer movimiento: Allegro non molto

Este movimiento describe ingeniosamente los efectos del frío, el castañeo de los dientes y el temblor del cuerpo. De nuevo aparece la tempestad; para mitigar un poco el frío, los campesinos corren y patalean.



Segundo movimiento: Largo

Con una placentera y larga melodía del violín solista, evoca una tarde de lluvia disfrutando de ésta al abrigo de la casa y al calor del fuego de la chimenea.




Tercer movimiento: Allegro

El movimiento en su inicio hace referencia al caminar lentamente sobre el hielo por miedo a caerse, el hielo comienza a agrietarse y todos ahora corren a refugiarse dentro de la casa; por las hendiduras de la puerta y de las ventanas se filtra el fuerte viento; pese a todo, el invierno nos deja grandes alegrías.



(Fuente: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Las_cuatro_estaciones).

domingo, 2 de enero de 2011

"Polonesa para dos pianos", de Camille Saint-Saëns:

Sin lugar a dudas, desde hace unos meses esta obra del magnífico Camille Saint-Saëns es la que más escucho. Una y otra vez retumbando semejante preciosidad contra las paredes de mi cuarto. Y es que semejante complejidad y armonía inunda el alma de una extraña pero agradable sensación. Aquí os dejo el vídeo, Polonesa para dos pianos, cuatro manos realizando una de las mayores bellezas de la música clásica de todos los tiempos. Que lo disfruten:

sábado, 1 de enero de 2011

"Peer Gynt Suite", de Edvard Grieg:

Una maravilla es la obra que expongo a continuación. Una magnífica obra que inunda el alma de pura alegría, y la evade hacia un mundo fantástico. Estoy hablando de Peer Gynt Suite (las dos partes), del compositor noruego Edvard Grieg. Información:



Peer Gynt, Suite n.º 1, Op. 46 y Peer Gynt, Suite n.º 2, Op. 55 son dos suites para orquesta del compositor romántico Edvard Grieg, para Peer Gynt, una obra de teatro del dramaturgo noruego Henrik Ibsen.
Escrita en 1875, y estrenada junto con la obra el 24 de febrero de 1876, la partitura de la obra tenía un total de veintitrés movimientos, y más tarde, en 1888 y 1891, Grieg extrajo varios movimientos, hasta dejar los ocho definitivos, divididos en dos grupos: Suite nº1 (Opus 46) y Suite nº2 (Opus nº55).

Suite No. 1, Op. 46

Por la mañana
La muerte de Aase
La Danza de Anitra
En la gruta del rey de la montaña

Suite No. 2, Op. 55

El secuestro de la novia. El lamento de Ingrid
Danza Arábiga
Peer Gynt de regreso a casa (la noche tormentosa en el mar)
La canción de Solveig


(Fuente: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Peer_Gynt_Suites).

PEER GYNT SUITE, Nº1:

La mañana:



La muerte de Aase:



Danza de Anitra:



En la cueva del rey de las montañas:



PEER GYNT SUITE Nº2:

Lamento de Ingrid:



Danza árabe:



El regreso de Peer Gynt. Tempestad:



Canción de Solveig:

"Trois Gymnopédies" de Erik Satie:

En este día nublado, voy a escoger las Gymnopédies del magnífico Erik Satie. Unas piezas que inundan el alma de sentimientos, a la par de una sensación indescriptible debido a la belleza de la composición. Como siempre, antes un poco de información y más abajo los videos. Que las disfruten:

Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888.

Las Gymnopédies son piezas ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Este rechazo desvergonzado por las convenciones es sin embargo poco perceptible para el oyente ya que la música es llevada por una fuerte carga emocional y la elegancia de la narración.
Los tres fragmentos son escritos según un ritmo (3/4) y tienen todos un tema y una estructura similares.
Las Gymnopédies son piezas etéreas a veces consideradas como precursores del Ambient. En efecto, Brian Eno, el emblemático pionero de este movimiento musical, citó a Satie como una de sus mayores influencias.
Satie creó el término música de mobiliario (musique d’ameublement) para definir algunas de sus obras, significando que podían realmente encajar como fondo sonoro. Pero este término fue creado en 1917 y Satie no la aplicó a las Gymnopédies. En la segunda mitad del siglo XX, las Gymnopédies han sido a menudo descritas como parte de la musique d’ameublement de Satie, sin duda en base a las interpretaciones musicales de John Cage.

Es después de haber leído Salamboo de Gustave Flaubert que Satie tiene la idea de crear piezas para piano inspirada en los bailes de la antigüedad griega. La serie entra en la categoría de las obras de su período Montmartroise. Las piezas fueron publicadas por primera vez por su padre Alfred Satie, pero no conocieron una verdadera popularidad sino a partir de 1910, cuando la joven generación de compositores y de intérpretes franceses de la época descubrieron su música.
Satie eligió el término gymnopédies que designa una danza practicada por jóvenes bailarines desnudos de Esparta. El baile es mencionado sobre todo por Jenofonte en los helénicos, Platón en las Leyes y por Plutarco en su Tratado de la música. La temática griega antigua recorre toda la obra de Satie, desde las Gnossiennes hasta La muerte de Sócrates. Según Jean-Joël Barbier, la palabra pudo ser elegida en alusión a las nociones de ascetismo y de austeridad que se refieren a todo lo que tiene relación con la civilización espartana, dos nociones cercanas a la estética de Satié.

Hasta 1896, la popularidad y la situación financiera de Satie eran muy precarias. Claude Debussy, cuya reputación crecía en esta época, decidió hacer un esfuerzo para atraer la atención del público sobre el trabajo de su amigo orquestado las Gymnopédies.

Según Debussy, la 2ª gymnopédie no se prestaba a una orquestación, por lo que se dedicó a la 3ª y a la 1ª, invirtiendo su numeración:
Primera gymnopédie (versión original para piano de Satie) → 3a gymnopédie (orquestación de Debussy)
Tercera gymnopédie (versión original para piano de Satie) → 1a gymnopédie (orquestación de Debussy)
La primera representación de las dos versiones orquestales de Debussy tuvo lugar en febrero de 1897 y las partituras fueron publicadas en 1898.
La orquestación de la segunda gymnopédie no fue realizada hasta decenios más tarde, por otros compositores, y no suele interpretarse a menudo.
(Fuente: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Gymnop%C3%A9dies).

Trois Gymnopédies: